La Costa Brava - Adoro a las pijas de mi ciudad

Descubrí a La Costa Brava en julio del año pasado, a raíz de la muerte de Sergio Algora. De Sergio conocía algo de su pasado en El Niño Gusano, un grupo nacido en los 90 de cierto renombre en círculos minoritarios. Sin embargo, ignoraba que en 2003 Sergio se unió a Fran Fernández (de Australian Blonde) para iniciar una prolífica carrera liderando a La Costa Brava, formación con la que publicó hasta siete álbumes en tan sólo cuatro años.

Desde luego, no puede calificarse a La Costa Brava de "producto de masas". Su estilo "pop sesentero" parece en primer término poco apropiado para esta década, y sus letras suenan a chiste. Como ejemplo, la primera vez que escuché Adoro a las pijas de mi ciudad me pareció un tema original y divertido, aunque sin demasiada trascendencia musical. Mi opinión cambió algún tiempo después, cuando me sorprendí a mi mismo tarareando su melodía, lo que me llevó a escuchar Llamadas Perdidas, álbum al que pertenece el tema de hoy y que para mí es el mejor trabajo del grupo.

El videoclip de Adoro a las pijas... es uno de los pocos que llegó a grabar el grupo para promocionar sus temas. Descubrí esta canción a través de este vídeo, y aún ahora al volver a verlo me parece sencillamente brillante.

The Cure - A forest

No siempre es fácil encasillar a una formación con tres décadas de trayectoria a sus espaldas, y tampoco en el caso de The Cure encontraremos una excepción. Si bien el grupo británico se ha mantenido fiel durante todo este tiempo a un estilo más o menos homogéneo, treinta años dan para mucho, y la banda ha sido categorizada en multitud de estilos como el "punk", el "new wave", el "rock gótico" o el "pop", en función principalmente de si el grupo se encontraba en una fase más creativa y alegre o en una fase más oscura, densa e introspectiva. Uno de sus temas más representativos es A forest, una de esas canciones intemporales que siempre apetece escuchar, y que fue el único sencillo de su segundo álbum, Seventeen seconds.

Lamentablemente, la producción musical de The Cure en esta década carece de la frescura y originalidad que sí podíamos encontrar en sus trabajos de los 80 y 90, y a excepción de Bloodflowers, el resto que su producción ha pasado prácticamente desapercibida. Sin embargo, si nos atenemos a sus actuaciones en directo, el grupo está en el mejor momento de su carrera. No es muy común encontrar hoy en día un grupo consagrado que supere las dos horas escasas sobre un escenario, mientras que The Cure estira sus conciertos para deleite de sus seguidores, superando de largo las tres horas. Es dudoso que de esta forma vayan a vender más discos o más gente acuda a sus conciertos, así que la razón principal es que el grupo "disfruta" sobre el escenario. Y entre tanta mediocridad, este es sin duda un hecho destacable.

Buscando una actuación en vivo de A forest que ilustrara el contundente directo del que aún hoy día hacen gala The Cure (que además, en la interpretación de este tema suele alargarse hasta los 20 o 25 minutos), topé con una versión acústica de esta canción que no había oído anteriormente. El resultado es tan redondo, tan sencillo y tan bueno a la vez, que no he podido evitar compartir aquí esta versión.

Blur - Coffee & TV

A buen seguro, la rivalidad declarada en primera página de los medios británicos entre Oasis y Blur (reedición de la eterna lucha entre el norte y el sur) a mediados de los noventa, ayudó a ambas bandas a destacar entre los grupos musicales de su generación. En el caso de Blur, buena parte de su éxito se vio además sustentando por tres excelentes álbumes, Modern life is rubbish, Parklife y The great escape, trabajos que seguro podemos encontrar en cualquier lista de "los 100 mejores discos británicos de la década". Internacionalmente, Blur no alcanzó ni las cotas popularidad ni las cifras de ventas de Oasis, sin embargo sí estuvieron a la altura de estos últimos en el Reino Unido, siendo ambos grupos los máximos exponentes de la corriente "britpop".

A finales de los noventa Blur publica 13, su quinto álbum de estudio. Es 13 un disco mucho más oscuro y maduro que los anteriores, carente de la inmadurez típica del estilo "britpop", donde se hace efectivo un cambio de estilo que ya se adivinaba en Blur, su anterior trabajo. De este álbum destaca Coffee & TV, uno de los pocos temas del grupo interpretado por el guitarrista Graham Coxon, que dejaría el grupo tras la grabación de este álbum.

El vídeo promocional de esta canción ganó multitud de premios, incluidos varios premios MTV, y está considerado como uno de los mejores videoclips de todos los tiempos. El personaje principal, apodado Milky, es producto de Jim Henson, creador entre otros del las marionetas de Los Teleñecos (The Muppet show en el original) y de películas como Laberinto o Cristal oscuro.

Enrique Urquijo y Los Problemas - Desde que no nos vemos

Durante veinte años, Enrique Urquijo lideró junto a su hermano Álvaro a Los Secretos, uno de los grupos abanderado más significativos de la "movida madrileña". Huyendo de modas y etiquetas, las canciones de Enrique siempre han desprendido grandes dosis de emotividad desde sus inicios, himnos a la cotidianidad recitados en un estilo directo e intimista. Por todo ello, el cantante madrileño es sin duda junto a Antonio Vega uno de los compositores más importantes en la historia de la música "pop" española. Sin embargo, Enrique también compartió con Antonio su misma tendencia a la autodestrucción, traduciéndose en un marcado desasosiego en muchas de sus canciones. Era esa tendencia autodestructiva la que hacía de Enrique una presa fácil, un blanco vulnerable, lo que le hacía caer una y otra vez en "aquellos vicios" de los que habla la canción de hoy. En definitiva, lo que acabó con su vida a finales de los noventa.

Desde que no nos vemos abre el álbum del mismo título, segundo en la discografía de Enrique con Los Problemas, un grupo paralelo a Los Secretos en el que el compositor madrileño satisfacía algunas de sus inquietudes musicales más personales. Enrique escribió esta canción durante una de las varias rupturas con Pía Minchot, la que fue su última pareja en una intensa relación aunque llena de altibajos.

Peter Gabriel - Mercy street

Tras dejar Genesis después de una exitosa trayectoria como líder del grupo, Peter Gabriel logró entre finales de los 70 y principios de los 80 labrarse una notable carrera en solitario. No fue sin embargo hasta la publicación de So en 1986 que Gabriel, sin perder un ápice de originalidad, imprime un sello algo más comercial a sus composiciones, alcanzando así el reconocimiento unánime que se le venía resistiendo.

El éxito de So no hubiera sido el mismo sin Sledgehammer, la canción más popular de Gabriel, cuyo vídeo todos hemos visto alguna vez y que revolucionó en buena forma la industria del videoclip. Sin embargo, pensar que el quinto álbum de Peter Gabriel es poco más que Sledgehammer es cometer un gravísimo error. Y es que en So podemos encontrar algunos de los mejores temas del artista británico. Entre estos temas brilla con luz propia Mercy street, una preciosa canción que Gabriel nos regala a media voz y que dedica a Anne Sexton, atormentada poetisa norteamericana que se suicidó en 1974.

Si bien esta canción no llegó a salir como sencillo, se grabó un videoclip oficial a cargo del director y fotógrafo Matt Mahurin, que en los noventa se convertiría en un reputado director de vídeos musicales. Al contrario que el resto de videoclips de So, el vídeo de Mercy street resulta a mi juicio demasiado oscuro y simbólico. Por ese motivo, el vídeo que os dejo aquí no es el original, sino un montaje de animación que se hizo años más tarde y que encuentro mucho más interesante.

Por cierto, algunos lectores de este blog me han sugerido crear una lista de canciones "Spotify" con los temas que he ido compartiendo hasta ahora (no están todos, pues algunos no pueden encontrarse todavía en "Spotify"). Desde ahora podéis encontrar el enlace a esta lista en la parte superior de la página, a la derecha.

Alanis Morissette - You learn

Poco podían imaginarse los espectadores del concurso de televisión Star Search que aquella adolescente canadiense de 14 años llegaría a ser, casi diez años después, la estrella de rock femenina más importante de los noventa. Tras debutar con un par de trabajos que alcanzaron cierto renombre en su Canadá natal, Alanis Morissette se traslada a California donde la fama le sorprende con la publicación de Jagged little pill. El que fue su tercer álbum despertó desde un inicio elogios por parte de la crítica, y superando ya los 30 millones de copias vendidas, es considerado a día de hoy como uno de los trabajos más exitosos de todos los tiempos.

Jagged little pill es, sin discusión, un álbum soberbio. Pero como ocurre a menudo, la sombra que proyecta es tan alargada que ha eclipsado todos y cada uno de los posteriores trabajos en la trayectoria de la cantante de Ottawa. Alanis lo sabe, y es por eso que en sus recitales en directo las canciones de Jagged little pill conforman todavía hoy una parte significativa de su repertorio. Entre estas canciones siempre se incluye You learn, un tema cuyo estribillo me encanta y que nos invita a extraer la parte positiva de todos nuestros actos.

Existen dos vídeos para esta canción, siendo el segundo de ellos poco más que una actuación en directo. Éste que dejo aquí fue el videoclip de promoción original, donde podéis ver Alanis luciendo un amplio repertorio de chaquetas deportivas.

Depeche Mode - Never let me down again

En numerosas ocasiones, problemas de rivalidad o escarceos con las drogas y el alcohol estuvieron a punto de acabar prematuramente con la trayectoria de Depeche Mode. Por fortuna, el grupo británico fue capaz de superar todos los obstáculos, y además de ser una de las bandas de "techno" y música electrónica más influyentes, son con casi 30 años de trayectoria musical, uno de los grupos más longevos de su generación.

Tras cosechar buenas críticas y alcanzar un éxito relativo en Europa con sus primeros trabajos, Depeche Mode decide a finales de los 80 cambiar de productor y dar un aire más accesible y comercial a sus composiciones. El resultado fue Music for the masses, un álbum excelente que obtuvo un enorme éxito comercial y que fue el preludio tres años después de Violator, sin duda el mejor disco de Depeche Mode y uno de los mejores álbumes de la década.

Music for the masses abre sin tregua con Never let me down again, un tema que es pura energía y contundencia musical. Para mí el mejor tema de Depeche Mode, por encima incluso de Personal Jesus y Enjoy the silence.

El vídeo oficial de esta canción corrió a cargo del fotógrafo y director holandés Anton Corbijn, que acabó dirigiendo un buen número de videoclips del grupo. Casi todos ellos tienen en común que se presenta una historia aparentemente sencilla aunque cargada de simbolismo. En este caso, la historia tiene incluso una continuación el el vídeo Behind the wheel, que fue también sencillo del mismo álbum.

Coldplay - Warning sign

Con sólo tres álbumes a sus espaldas, los británicos Coldplay se ganaron el favor del público y el respeto de la crítica. Si acaso se les acusó de un abuso de homogeneidad en sus composiciones, de cierto conservadurismo en lo musical y de pobre espíritu de reinvención. Sabedores de que la fórmula podría agotarse, la esperada renovación llegó el año pasado con su cuarto álbum. Con la publicación de Viva la vida or death and all his friends, el grupo británico ha entrado definitivamente en la élite musical, a la altura de otras bandas ya consagradas como R.E.M. o U2. Será interesante ver si en los próximos años son capaces de recoger el testigo y mantenerse en lo más alto, o bien todo queda en un buen intento.

En 2002 Coldplay publicaba su segundo disco, A rush of blood to the head. Con once millones de copias vendidas, el que es para mí el mejor trabajo del grupo fue además unánimemente encumbrado por la crítica, y será sin duda uno de los álbumes de referencia de esta década. De entre sus once temas, mi canción favorita es Warning sign.

Puesto que la canción no apareció como sencillo, tampoco se hizo de ella ningún videoclip promocional. Sí apareció sin embargo cerrando Código 46, un notable film de Michael Winterbottom que nos presenta un futuro cuando menos inquietante.

Pastora - Lunes

En sus inicios, el dúo formado por los hermanos Pauet y Caïm Riba no pasaba de ser una propuesta más o menos interesante de montajes audiovisuales y música experimental. No fue hasta la llegada de la actriz Dolo Beltrán que Pastora encontró el equilibrio perfecto entre letras, música e imágenes. Sustentado en estos tres pilares, el trío barcelonés es una mezcla de estilos, una propuesta novedosa y diferente a las demás, todo bajo un sello propio y personalísimo.

La fórmula contemporánea de Pastora alcanzó el éxito ya desde su primer trabajo, del que destacó el tema Lola. Esta canción permitió al grupo darse a conocer a nivel nacional, pero eclipsó en cierta forma un álbum excelente, tan heterogéneo como original. Lunes es el segundo corte de este disco, un tema enorme que une fragilidad y dulzura a partes iguales.

Pauet Riba es quién se encarga del concepto visual de Pastora. Esto incluye los videoclips promocionales, que son tan elaborados y cuidados como la puesta en escena del grupo en sus actuaciones en directo.

Sheryl Crow - Safe and sound

Nacida en el seno de una familia con una sólida tradición musical, era inevitable que Sheryl Crow acabara triunfando en el mundo de la música. Sin embargo, hasta que eso ocurrió con la publicación de su primer disco, Sheryl tuvo que recorrer un camino nada fácil y labrarse una reputación de compositora y corista, colaborando con artistas de la talla de Michael Jackson, Sting, Stevie Wonder o Eric Clapton. La aparición de Tuesday night music club a principios de los noventa encumbró a la cantante a nivel mundial, sobre todo a raíz de la publicación del sencillo All I wanna do. Este excelente álbum llevó a Sheryl Crow a ganar varios premios "Grammy", entre ellos el de mejor artista revelación.

Mucho se esperaba de los siguientes trabajos de Sheryl, y ésta no defraudó con la publicación de Sheryl Crow y The globe sessions, dos soberbios discos donde se imprimió un sello más rockero que únicamente decepcionó a un pequeño sector del público americano, empeñados en encumbrar a cualquier cantante revelación como nueva reina del "country". Tras un paréntesis de cuatro años, Sheryl inauguró esta década con C'mon C'mon, un álbum algo más melódico que los anteriores, y que para mí es su último gran trabajo. A él pertenece Safe and sound, un tema precioso que evoluciona creciendo hasta "estallar" literalmente en la voz de Sheryl.

Safe and sound no fue lanzado como sencillo, pero formó parte de las bandas sonoras de White oleander (que aquí se estrenó como La flor del mal) y K-Pax, si bien en ambos casos únicamente ilustró los créditos del final. Buscando un vídeo de esta canción, he encontrado una actuación en directo que me ha impresionado, aunque para ello es imprescindible abstraerse antes del vestuario que luce Sheryl y del contexto donde se desarrolla el concierto (contexto, por otro lado, que quizá podamos entender mejor sabiendo que la canción se inspira en los acontecimientos acaecidos el 11-S).

Alaska - Abracadabra

Hace ahora seis meses fui padre por primera vez. Por cierto que es una experiencia fabulosa, pero no es de eso de lo que quiero hablar. Todo aquel que haya tenido un bebé sabrá que, ya desde los primeros meses, uno tiene el instinto en algunos momentos de cantarle canciones infantiles. En mi caso ocurrió que las únicas canciones que sabía eran casi exclusivamente de series infantiles o de anuncios para televisión. Entre las primeras asomó en mi cabeza Abracadabra, una canción interpretada por Alaska que fue la sintonía principal de La bola de cristal.

Qué decir de La bola de cristal que no se haya dicho ya. Único e irrepetible, lo que comenzó como un programa infantil que se emitía los sábados se convirtió, a través de una crítica mordaz a la sociedad, en punto de referencia de la cultura española de los 80. El programa estuvo siempre íntimamente ligado a la música, en especial a la "movida madrileña", y era regular la colaboración de artistas como Santiago Auserón, Kiko Veneno, Javier Gurruchaga, Loquillo o la propia Alaska. Sin ir más lejos, Abracadabra es un tema compuesto por José María Cano. La bola de cristal estuvo cuatro años en antena, hasta que Pilar Miró lo reemplazó por el insulso Cajón desastre.

Abracadabra fue la canción que aparecía en la careta de entrada del programa, pero también solía emitirse en forma de videoclip al final de El librovisor, la segunda de las cuatro secciones de las que se componía el programa.

Franz Ferdinand - Take me out

Confieso que la primera vez que escuché Take me out fue jugando a "Guitar Hero", en la primera versión de este juego para PS2 que salió allá por el 2005. Decididamente el tema de Franz Ferdinand me pareció una canción divertidísima de tocar, y no sé muy bien porqué, imaginé que se trataba de un clásico de finales de los 70 que desconocía. Por supuesto, estaba muy equivocado.

Por alguna razón, el álbum de presentación de Franz Ferdinand se me había pasado por alto, y descubrirlo supuso toda una revelación. Y es que esta banda escocesa irrumpió como un soplo de aire fresco en el panorama "indie" británico. En cuanto a Take me out, es un tema de una rotundidad inusual, con aires de himno generacional. No es extraño que me sonara a clásico de los 70, ya que la canción desprende una clara atmósfera "retro".

El videoclip de este tema fue reproducido hasta la saciedad en la MTV, lo que aumentó más si cabe su popularidad. Bajo mi punto de vista se trata de un vídeo muy original, con un marcado aire "vintage" que se adapta muy bien a esta canción.

The B-52's - Roam

Hace unos años, esperando en el "hall" de un hotel, escuché una canción que me gustó casi al instante. Era una canción que nunca había oído hasta entonces, pero que sin temor a equivocarme identifiqué de inmediato como un tema de The B-52's. Hasta aquel momento yo no conocía gran cosa de este grupo, tan sólo un par de canciones entre las que se incluía su archiconocido Love Shack. Así que un par de días fue lo que tardé en hacerme con Time Capsule, un álbum recopilatorio del grupo, lo que me llevó a Cosmic Thing, su trabajo más venerado.

El tema que escuché fue por supuesto Roam. Es éste un tema típico de la banda norteamericana, y que bien puede representar el espíritu "pop" omnipresente en la década de los 80. A mí es una canción que me encanta, un tema que desprende chorros de optimismo y que inevitablemente consigue ponerme de buen humor.

El vídeo de este tema es una extensión natural de la canción, y si bien resulta un poco "kisch", no es menos cierto que transmite idéntico optimismo. Por cierto, este vídeo también se encuentra en YouTube, pero con el audio eliminado debido a que la WMG no ha autorizado su reproducción.

Albert Pla - Fantasma

La irrupción de Albert Pla a finales de los ochenta con Ho sento molt causó sensación en todos los estamentos de la cultura musical catalana, donde su estilo controvertido no dejó a nadie indiferente. En cambio, tras un segundo álbum donde repitió fórmula, el de Sabadell se cansa de ser el abanderado oficial de la música de autor catalana, harto de que los mismos estamentos que le encumbran sean a la vez sus censores. Es entonces cuando Albert da un giro de radical a su carrera y, atreviéndose incluso con la rumba, publica hasta tres trabajos íntegramente en castellano. Sin embargo, en lo fundamental el de Sabadell siempre ha sido fiel a sí mismo. Y es que cuando Albert Pla canta no deja títere con cabeza. A su estilo inconfundible le acompañan unas letras disparatadas en ocasiones, pero siempre directas y mordaces, en continua búsqueda de polémica y ofensa sin rodeos.

El pasado año el cantautor catalán editó La diferencia, un álbum con el que Albert Pla aún esta de gira. Para mí este disco recupera en parte el espíritu y la creatividad de sus mejores trabajos durante la década de los noventa. Fantasma no es a buen seguro el mejor tema, pero es una de las canciones más pegadizas de este álbum.

Aquí os dejo el videoclip de la canción, muy original y divertido desde mi punto de vista. Se ha cuidado bastante la promoción de este álbum (vídeo incluido), puesto que éste es el primer trabajo de Albert Pla con su nueva discográfica.

Level 42 - Something about you

La canción de hoy es uno de esos temas ya clásicos en los discos recopilatorios sobre música de los 80. Something about you pertenece a World machine, sexto álbum de estudio de Level 42 editado en 1985. Con este álbum, el grupo británico imprimió un sello más "pop" a su composiciones, evolucionando desde una música de marcadas raíces "funk" en sus inicios. El cambio de estilo impulsó el éxito del grupo a nivel internacional, éxito que fue ratificado con su siguiente álbum Running in the family, su disco más vendido hasta la fecha.

Nunca he sido un gran seguidor de Level 42, si bien es de justicia reconocer la influencia que el grupo ha tenido sobre otras bandas de "funk" más recientes. Sin embargo, siempre me ha gustado Something about you; encuentro muy original su melodía y soberbios el bajo y la voz de Mark King.

Los 80 fueron la época dorada del videoclip, donde en la mayoría se buscaba una historia que contar. En este video se intenta reflejar la parte oscura de las relaciones, simbolizada a través de una especie de "mago oscuro" interpretado por Mark.

Antonio Vega - Ser un chaval

Tras su primer trabajo en solitario a principios de los noventa, la adicción a las drogas ya estuvo a punto de acabar prematuramente con la vida de Antonio Vega. Incluso se editó en 1993 el álbum Ese chico triste y solitario, un disco homenaje con sabor a despedida. Desde ese momento, si bien Antonio siguió tocando en directo y editando excelentes trabajos, nunca consiguió desprenderse de ese halo de artista maldito, de ese aura de fragilidad y derrotismo del que lo tiene todo perdido. Por eso sus fans acudían a cada nuevo concierto como si fuera un regalo, con la sensación de que cada recital del artista madrileño podía ser el último. El final, no menos triste por esperado, no hace más que agrandar la leyenda del mejor compositor en la historia del "pop" español.

La canción de hoy pertenece al álbum De un lugar perdido, probablemente su trabajo más positivo y optimista. Este tema no es de los más conocidos de Antonio Vega, nunca salió como sencillo ni se hizo videoclip promocional, pero me sorprendo a menudo tarareando su melodía.

The Beatles - Come together

Si hay un grupo en la cultura moderna que haya trascendido el calificativo de fenómeno musical para convertirse en fenómeno social, es sin duda alguna The Beatles. Es tanta la influencia que han ejercido durante generaciones que hoy por hoy, casi medio siglo después de su formación, siguen ocupando portadas de diarios.

Esta vez la noticia es que ya podemos disfrutar de su discografía remasterizada, si bien aún tendremos que esperar para disponer de su catálogo "online" en sitios como iTunes o Spotify. La verdad, inmersos en la era digital, resulta extraño que tengamos que esperar tanto. En todo esto hay un trasfondo bastante complicado de batallas legales, derechos de autor y demás, pero es de suponer que los mayores responsables de esta demora son los directivos de EMI. Y es que los de Liverpool aún son la "gallina de los huevos de oro" para la discográfica londinense, que negocia desde una posición de fuerza.

La última vez que John, Paul, George y Ringo se reunieron en un estudio fue para grabar Abbey Road, un álbum del que ahora se cumplen cuarenta años. El que para muchos es su mejor trabajo abre con Come together, un tema que si bien puede parecer sencillo y poco pretencioso ha acabado siendo uno de las canciones más emblemáticas y más versionadas del grupo.

Más interesante que el videoclip oficial es esta interpretación en directo de John Lennon. Por cierto, cada vez que veo alguna actuación post-Beatle de John me doy cuenta de la gran pérdida que supuso su muerte.

Bryan Adams - All I want is you

El canadiense Bryan Adams es uno de esos intérpretes que cuenta con casi el mismo número de fans que de detractores. Si bien no he seguido su trayectoria en los últimos años, yo me incluyo en el primer grupo desde que a mediados de los 80 publicó Reckless, un soberbio trabajo que acabó siendo uno de los mejores álbumes de "rock'n'roll" de la década.

Tras un par de trabajos más, en 1991 Bryan Adams edita el doble álbum Waking up the neighbors. Se trató sin duda de una decisión arriesgada, puesto que no era muy común en aquellos años publicar álbumes dobles si no eran en directo. Este hecho fue valorado positivamente por la crítica, si bien es cierto que se censuró un sonido demasiado similar en algunos momentos a Def Leppard (el productor de este disco fue el mismo que el del grupo británico). El resultado final es un álbum no apto para iniciarse en la discografía de Bryan Adams, ya que puede incurrirse fácilmente en una "sobredosis de rock'n'roll". Sin embargo, para los fans del canadiense, éste es sin duda su mejor trabajo después de Reckless.

De Waking up the neighbors se publicaron hasta siete sencillos. El quinto de ellos es All I want is you, el tema que aquí os dejo. La verdad, no sé muy bien qué es lo que me gusta tanto de esta canción, repleta de "yeahs", "babes" y unos coros de lo más común en una canción de rock. Pero es mi tema favorito del disco.

Los primeros cuatro sencillos de este álbum fueron acompañados de buenos videoclips promocionales. Sin embargo para el resto parece que se acabaron las ideas, y el vídeo de All I want is you no va mucho más allá de una actuación en "playback".

Vetusta Morla - Valiente

Casi una década es lo que Vetusta Morla lleva en los escenarios de pequeñas salas y festivales alternativos. Casi una década donde no han faltado premios y buenas críticas, fundamentadas principalmente en el buen hacer del grupo en sus directos. Casi una década coleccionando elogios. ¿Cómo es posible entonces que no hayan podido publicar su primer trabajo hasta el año pasado? ¿Cómo es posible que ninguna discográfica haya confiado en ellos, y el grupo madrileño haya tenido que autoeditarse su primer álbum? Son preguntas que debieran hacer reflexionar a las discográficas de este país, más preocupadas de no asumir riesgos que de intentar cazar talentos.

Tras la aparición de Un día en el mundo, Vetusta Morla no ha dejado de recibir premios. Y es que este álbum es de lo mejorcito que se ha publicado en los últimos años en nuestro país. Los doce temas incluidos en él son la culminación de muchos años de trabajo, sin que por ello se nos prive de un sonido emotivo y natural. Entre estas canciones se encuentra Valiente, el tema que hoy os dejo aquí.

El vídeo que sigue pertenece a un concierto de abril del año pasado en la sala "Joy Eslava" (Madrid), donde el grupo presentó su nuevo álbum. La interpretación de Valiente fue tan buena que el grupo decidió hacerla videoclip oficial de esta canción.

Björk - Pagan poetry

Quiero comenzar este post declarándome fan incondicional de Björk desde hace años. No es tan sólo por la calidad y originalidad de sus composiciones, que también; en pocos músicos contemporáneos encontraremos la capacidad de reinvención de la islandesa. Y es que Björk crea, innova, absorbe cualquier estilo o tendencia musical y experimenta con él, lo transforma y lo mezcla hasta obtener lo que busca. El proceso no está exento de cierta dosis de extravagancia, pero el resultado siempre ha marcado tendencias.

En este proceso de reinvención continua, Björk alcanzó su cumbre particular con Homogenic, su tercer álbum en solitario. Después, tras una exitosa incursión en el cine de la mano de Lars von Trier, Björk vuelve a los estudios para publicar en 2001 Vespertine, que si bien fue unánimemente elogiado por la crítica, es para mí un trabajo tremendamente irregular. Ello no impide encontrar en este álbum una joya como Pagan poetry, un tema al que considero entre las mejores canciones de Björk.

Si por algo se ha caracterizado Björk a lo largo de su carrera ha sido por cuidar hasta el más mínimo detalle sus videoclips. No en vano, siempre ha escogido a directores de la talla de Michel Gondry, Spike Jonze o Chris Cunningham, entre otros. El resultado son pequeñas obras de arte, como el vídeo de esta canción. Una prueba más de que Björk marca tendencias, y no sólo en el terreno puramente musical.

Los Planetas - Un buen día

Una dilatada carrera y un buen puñado de discos vendidos hacen de Los Planetas uno de los grupos "indie" más representativos de nuestro país. Si bien no es fácil clasificar musicalmente a este grupo granadino, sus señas de identidad sí son reconocibles de inmediato: voces melancólicas, sonidos metálicos y actitud rayana al inconformismo, lo que resulta a menudo en canciones con atmósferas opresivas.

Aun reconociendo su calidad, nunca llegué a engancharme del todo con la música de Los Planetas. De modo que, tras sus primeros trabajos, simplemente les perdí la pista. Sin embargo, hace tan sólo unos meses el azar puso en mis manos Unidad de desplazamiento, un álbum que el grupo publicó hace casi diez años. En este álbum descubrí Un buen día, un tema que seguro había oído anteriormente pero que nunca me había parado a escuchar. Para mí, ésta es la mejor canción del grupo.

Os dejo aquí el vieoclip oficial de esta canción. En él se trata de ironizar lo que para algunos sería "un buen día", pero para mí el resultado final es un tanto insulso.

Oasis - Lyla

Encumbrados en la cresta del "britpop" a principios de los 90 (gracias sobre todo a sus dos primeros trabajos) Oasis es uno de esos grupos que ha vivido siempre envuelto en la polémica. Ocurre sin embargo que cuando estás de moda te lo perdonan todo, y el publico asistió divertido a las desavenencias entre los hermanos Gallagher y entre estos mismos y otros grupos como Blur, más parecidas a maniobras de marketing que a verdaderas rencillas.

Pero el éxito es efímero, y una vez muerto el "britpop" a Oasis le tocó deambular durante casi diez años en su propia travesía por el desierto. Es en esta época donde se dejaron las desavenencias a un lado y el grupo se dedico a intentar hacerse un hueco en un panorama musical que los consideraba ya acabados. El esfuerzo mereció la pena, y en 2005 Oasis resurgió de sus cenizas con Don't believe the truth. De este álbum destaca la canción Lyla, un tema que se convirtió en un clásico del grupo y devolvió a Oasis a sus inicios.

Tras un nuevo álbum el año pasado y a punto de acabar una exitosa gira, Noel Gallagher ha dicho "basta", que no aguanta más a su hermano y que deja definitivamente el grupo. Nunca sabremos si el conflicto en los inicios de Oasis era o no real, pero sí parece ahora que la ruptura va en serio. Quizás sea mejor así, y debamos esperar a una reunificación que se producirá seguro la próxima década (tampoco queda tanto), cuando los 90 se pongan otra vez de moda.

Arcade Fire - Wake up

No son los canadienses Arcade Fire un grupo al que pueda etiquetarse fácilmente. Sin embargo, pocos grupos surgidos en el último lustro han logrado con tan sólo dos álbumes ser encumbrados de forma unánime por la crítica. Y no sólo eso, sino que artistas como David Bowie, U2, Coldplay, Bruce Springsteen, Björk, Beck o David Byrne se encuentran entre sus seguidores. Con semejante carta de presentación, es lógica la expectación ante la que puede ser una de las bandas de referencia en los próximos años.

Mientras esperamos su tercer álbum (que aparecerá muy probablemente al año que viene), es fácil deleitarse con cualquiera de las canciones de Funeral, su álbum de presentación en 2004. De entre esas canciones, destaca con luz propia Wake up, un tema de dimensiones casi épicas que me encanta. La canción ha sido incluida en la banda sonora de Where the wild things are, una película dirigida por Spike Jonze basada en un cuento infantil, que se estrenará el mes que viene.

Oyendo esta canción, uno adivina de inmediato que es un tema ideal para ser tocado en directo. El vídeo que os dejo pertenece a una monumental interpretación para un especial televisivo, donde el grupo contó con la colaboración de David Bowie.

Billie The Vision & The Dancers - Summercat

Si hay una canción que quien más quien menos no ha podido sacarse alguna vez de la cabeza, ésa suele ser sin duda la canción del verano. Por lo general son temas programados como tales por las discográficas e interpretados por cantantes o grupos noveles que suelen ser flor de un día. Vamos, que solemos encontrarnos auténticas aberraciones musicales. No es, en mi opinión, lo que ha ocurrido este año.

Hay que reconocer que la agencia de publicidad Villarosàs ha dado en el clavo utilizando el tema Summercat, del grupo sueco Billie The Vision & The Dancers, como banda sonora de su última campaña de Estrella Damm. No soy experto en publicidad, pero supongo que es común que un grupo semi-desconocido ceda sus canciones a agencias de publicidad, y a cambio obtenga promoción gratuita. Es lo que los americanos llaman, una "win-win situation". Y después de todo, el tema (que abre el álbum I was so unpopular... y que supuso el debut en 2004 del grupo sueco), no está del todo mal.

Os dejo aquí la versión extendida del spot televisivo, que creo tan sólo se ha emitido una vez íntegro por televisión. Es cierto que la canción se hace repetitiva (y no sólo porque nos han machacado a todas horas con el anuncio en televisión), pero también es cierto que han conseguido que asociemos esa melodía a unas imágenes de paisajes mediterráneos y romances de verano.

Zahara - Domingo astromántico

Sin temor a equivocarnos, podemos estar seguros de que La fabulosa historia de... va a ser uno de los discos del año en el panorama musical de este país. Y es que el álbum debut de Zahara no puede ser más brillante. En el fondo, la fórmula es sencilla:

1. Una voz dulce, personal y fácil de reconocer. Quizás no es la más adecuada para todos los registros, pero ¿qué voz lo es?
2. Un conjunto de temas frescos, brillantes, cada uno con luz propia. Es difícil escoger una canción que resalte sobre las demás. Por si fuera poco, nos encontramos con melodías y letras inspiradísimas, lo que nos muestra que no estamos tan sólo frente a una voz bonita y sí ante una compositora con talento.
3. Una producción muy cuidada, a cargo de Carlos Jean y Ricky Falkner, y con ideas muy claras sobre cómo sacar lo mejor de cada tema.

El resultado no es otro que un éxito unánime de crítica y público. Dicho así hasta parece fácil ¿verdad?

Después de tanto halago, podría parecer contradictorio que el tema escogido sea la única canción que no es original de Zahara. Pero es que este tema de Santi Balmes (de Love of Lesbian) le queda al disco como anillo al dedo.

El vídeo que os dejo aquí pertenece a una actuación para BTV de finales del año pasado, cuando el álbum aún se estaba gestando. No sé vosotros, pero yo encuentro geniales las actuaciones en televisión con voz en directo.

Bunbury - Sí

Después del fracaso de Radical Sonora (un álbum que no fue bien recibido por el público), Pequeño supuso un punto de inflexión en la carrera de Bunbury, que por fin alcanzaba el reconocimiento en solitario. Pero tocaba consagrar el cambio de estilo, y Enrique se tomó su tiempo antes de lanzar Flamingos en 2002, el que para mi es su mejor trabajo. No cuestiono la creatividad de Bunbury (quizás ha perdido algo de frescura y de capacidad para sorprender), pero ninguno de sus posteriores álbumes ha alcanzado la calidad de Flamingos, que rebosa creatividad y buen hacer en cada uno de sus temas.

Sí fue el primer sencillo del disco. No es éste un tema original de Bunbury, sino una versión de una clásico de Umpah-pah (no en vano Flamingos contó con la colaboración de Adrià Puntí, entre otros). Sí es una canción de esas que vuelve a uno de forma recurrente, cuando uno cree que ya la tiene olvidada.

El video promocional de Sí pasa por ser un buen clip de animación. Sin embargo desvía en cierta forma la fuerza y el dramatismo que desprenden sus letras.

Michael Jackson - Wanna be startin' somethin'

No voy a hablar aquí sobre la muerte de Michael Jackson. En su lugar, me gustaría imaginar qué hubiera sido de él si no hubiese muerto hace ahora un mes. ¿Qué Michael estaríamos viendo en 10 o 15 años? Francamente, cuesta imaginárselo al pie del cañón, de gira y publicando discos (como hacen por ejemplo Madonna, Bruce Springsteen o Tina Turner). Por el contrario, yo me imagino a un Michael aún mas degradado y mas excentrico. Un artista carne de recopilatorios y de portadas de diarios que nada tienen que ver con la música. Y es que, a mi juicio, Michael ya llevaba musicalmente muerto casi 20 años.

A principios de los 80 se decía que todos los negros (y buena parte de los blancos) querían parecerse a Michael Jackson. Sin embargo, ya por entonces, la presión era tal que Michael huía de la imagen que los demás trataban de imitar. ¿Qué llevó a uno de los interpretes más influyentes de los 70 y 80 a tan estrepitoso fracaso? Es probable que existan múltiples razones. Pero en lo musical creo que el problema estuvo en que Michael no fue capaz de reinventarse a sí mismo. Y es que para estar en lo más alto en esta industria o mueres joven o te reinventas. No hay ningún problema si no aspiras a ser el mejor, pero esta claro que Michael y su entorno, por los motivos que fuera, sí aspiraban a ello.

El canción que aquí os dejo no es quizás de las más aclamadas de Michael Jackson. Wanna be startin' somethin' fué unos de los últimos sencillos de Thriller. Sin embargo, a mi es un tema que me encanta, sobre todo la base rítmica y los coros hacia el final. Michael en estado puro.

De este tema ni tan siquiera se hizo un vídeo promocional, y estamos hablando de una época en que el videoclip se hizo fundamental en la carrera de Michael. Sin embargo, he encontrado una interpretación bastante espectacular a cargo de Usher, Mýa y Whitney Houston, perteneciente a un concierto homenaje a Michael Jackson que emitió la CBS en el 2001. En cierta forma, podríamos decir que este concierto resultó incluso premonitorio.

David Bowie - Knock on wood

Comenzaré este blog con un clásico de Eddie Floyd. Se trata de un tema del que se han hecho numerosas versiones, incluida una versión disco de Amii Stewart que tuvo bastante éxito a finales de los 70. Sin embargo, mi favorita siempre ha sido la versión que David Bowie grabó en 1974 durante su gira americana, para el doble álbum David Live.

A diferencia de las otras versiones (incluida la original), estamos ante una interpretación de una fuerza inusual, incluso para "El Duque Blanco". El mérito está en que, sin perder su esencia "soul", Bowie nos ofrece una versión mucho más rockera, perfecta para un directo.

Que yo sepa, no existe vídeo conocido de esta canción. Así que os pongo un vídeo emitido en Top of the Pops, un programa musical de la BBC ya desaparecido que, entre otras cosas, acostumbraba a grabar vídeos de clásicos de los 70 y 80.